Cuadernos de Análisis y Debate sobre Músicas Latinoamericanas Contemporáneas
Cuadernos de Análisis y Debate sobre Músicas Latinoamericanas Contemporáneas busca propiciar un espacio de reflexión crítica de gran llegada al público interesado, desde un lugar y enunciación propios. Aspira, por un lado, a construir creativamente ideas y pensamientos, incluso contrapuestos, sobre la música contemporánea, y por el otro, que sea rigurosa y convoque a los más destacados investigadores tanto locales como latinoamericanos, así como también a compositores y especialistas internacionales sobre las músicas latinoamericanas académicas de la actualidad. Con el fin de ofrecer una amplia variedad de visiones, esta publicación se produce en el marco de un proyecto de coedición entre instituciones académicas con reconocida expertise académica en el área de los estudios sobre música contemporánea. Las instituciones participantes son el Instituto de Investigación Musicológica “Carlos Vega” de la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la Pontificia Universidad Católica Argentina y la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional de Cuyo.
Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega”; Instituto de Investigación Musicológica “Carlos Vega” de la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la Universidad Católica Argentina; Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional de Cuyo
Sucesiones numéricas procedentes del triángulo aritmético, aplicadas a la composición musical asistida
Texto elaborado desde el campo multidisciplinar, en donde, a través de la identificación de algunas sucesiones numéricas propias del Triángulo Aritmético (o de Pascal), se llevan a cabo procesos creativos musicales asistidos por computadora, implementándolas como componente primario en la gestación de material musical que, posteriormente, sirvan a la composición musical.
Derechos de autor 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Algunos aspectos ´minimistas´ en la obra de María Cecilia Villanueva
Este trabajo tiene como objetivo evidenciar los rasgos del 'minimismo' latinoamericano, tal como lo postulan Coriún Aharonián y Graciela Paraskevaídis, en la obra de María Cecilia Villanueva. Para ello, inicialmente, se señalan ciertos cuestionamientos surgidos en torno a la búsqueda de una identidad latinoamericana en un grupo de compositores desde 1970. Posteriormente, en vías de arrojar luz sobre esta categoría conceptual, se presenta una síntesis acerca de los rasgos musicales del ´minimismo´ latinoamericano. Con base en estos datos se realiza el análisis de la obra Birlibirloque (1988) de Villanueva a través de la teoría de los micromodos y la metodología sintáctico-temática de Francisco Kröpfl. Finalmente, se destaca que esta publicación contribuye a la producción de contenido sobre una generación posterior a la del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) y aborda aspectos que, según se argumenta, se manifiestan en la música culta latinoamericana.
Serialismo, intertextualidad, criptología y algunas líneas de fuga: herético furor (1998, revisada en 2001), de Jorge Horst
Herético furor (1998, revisada en 2001), para flauta contralto, clarinete bajo, violín, violonchelo y piano, es una de las composiciones más estudiadas, renombradas e interpretadas de Jorge Horst (Rosario, 1963). Así, el homenaje a Filippo/Giordano Bruno, connotado desde el título, a la par del concomitante establecimiento de las notas Fa, Sib y Sol como ejes de escritura, la repetición en distintas instancias, las ambigüedades morfológicas, la preeminencia de diversas modalidades de producción sonora y un tándem entre ciertas filiaciones nonianas y la presencia de la serie paninterválica frecuentemente asociada a Il canto sospeso (1955-56) resultan algunos de los rasgos ya establecidos para herético furor. No obstante, dado que el material paninterválico desempeña varias funciones preponderantes, mientras su devenir en y relación con múltiples contenidos implica ulteriores complejidades, nos disponemos a indagar en el rizoma que conforman algunas de las cualidades seriales, intertextuales y crípticas de la composición. O sea, interpretar herético furor desde sus atributos seriales habilita líneas de fuga que nos llevan a proponer la noción de intertextualidad implícita y, así, también a ampliar ciertas incumbencias de la criptografía musical, principalmente la representación y el homenaje, para llegar al terreno de lo criptológico como ideario y modalidad de escritura.
Aproximación tipomorfológica a la obra Tientos del Véspero de Alfredo del Mónaco
Con la aparición de la música concreta se desarrolló un método de análisis de la percepción de las estructuras sonoras denominado Tipomorfología, el cual consiste en proveer diversos criterios para la clasificación de diferentes parámetros del sonido por su forma y tipo. Dicha metodología tuvo importantes repercusiones en algunos compositores y teóricos que ampliaron su perspectiva; tal es el caso de Lasse Thoren quien a través de la sonología aural reformula y expande algunos conceptos de la tipomorfología schaefferiana para ofrecer un enfoque analítico de la música tal como es oida, cuya perspectiva se centra diversas formas de escucha y de comprensión aplicadas a cualquier tipo de estilo musical. Este enfoque motiva a realizar el análisis tipomorfológico de la obra Tientos del véspero del compositor venezolano Alfredo del Mónaco, quien fuera pionero de la música contemporánea de su país, y en cuyo trabajo se puede vislumbrar algunos criterios tipomorfológicos. En ese sentido, el presente artículo introducirá algunas de las nociones básicas de la tipomorfología a través del trabajo de Thoresen, presentará una semblanza del compositor venezolano referido y expondrá el análisis tipomorfólgico de una de sus obras más importantes para guitarra sola.
Estudio interdisciplinar sobre modelos matemáticos de similitud aplicados a la música popular colombiana
En la actualidad, la investigación multidisciplinar se extiende con mayor fortaleza a los estudios musicales, puesto que, permite realizar observaciones desde diferentes ángulos de conceptos teóricos preestablecidos o la profundización de ellos, fundamentado en los procedimientos y metodologías usadas en otras disciplinas. Es por lo anterior que, en este consolidado se implementan algunos procesos matemáticos que permiten calcular las distancias entre géneros musicales con base en la comparación de sus resultados, los cuales pretenden rastrear, en futuras investigaciones, su posible origen genealógico mediante la interpretación de sus datos.
Derechos de autor 2022 Andrés Alfonso Garzón Charry https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
“”¦el ruido de lo roto”¦”. Un estudio sobre OID de Juan Pampín
La obra OID para piano, electrónica en tiempo real y video del compositor argentino Juan Pampin (n. 1967) es un homenaje a Darío Santillán y Maximiliano Kosteki. Consiste en una serie de elaboraciones sobre la introducción de la versión para piano del Himno Nacional Argentino, que, de acuerdo al compositor, contiene la cifra del destino catastrófico argentino. Sin dejar de lado los dichos del compositor, proponemos que la obra de Pampin es una lectura singular de la Argentina post-2001, en el plano musical. Esto significa que esta música no testimonia (solo) una ‘catástrofe’, sino que también abre una hendija para la emergencia de una nueva perspectiva, una potencia emancipatoria para repensar el presente y el porvenir. Para abordar esta operación estético-política apelamos a la lectura adorniana de la obra de Gustav Mahler en la medida que sugiere pistas para comprender el trabajo destructivo-constructivo de la composición. Es a partir de estas herramientas que exploramos un análisis de algunos momentos de la pieza en los que se imbrica la técnica con la apuesta estética que aquí se reconstruye. No se trata de reconciliar la identidad nacional partida, sino de abrazar esa fractura, su deformidad y amplificarla para así habilitar un punto de fuga que dé voz a los vencidos.
Derechos de autor 2022 Daniel Halaban https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cartas de navegación para columnas de aire con modos de vibración segregados
La bibliografía existente respecto a la ejecución de sonidos multifónicos en el saxofón alto brinda un gran cúmulo de datos para su producción en dicho instrumento. Pese a este volumen de material disponible, no se encuentra esta diversidad en el repertorio para el instrumento. El volumen de información - sesgada/truncada a su vez - hace temerario el adentrarse en las páginas y páginas con digitaciones de estos sonidos. En este trabajo se presenta un modelo, basado en los conceptos básicos de serie de armónicos, longitud de onda y cancelación de modos de vibración, para diagramar un mapa que permita acceder a un área de componentes multifónicas con posibilidades más cercanas y concretas a los actores que intervienen en la construcción de una expresión musical: compositoras, compositores e instrumentistas.
Derechos de autor 2022 Luis Federico Jaureguiberry https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Análisis comparativo de multifónicos en la familia de saxofones
El presente trabajo realiza un análisis comparativo de multifónicos en los diferentes integrantes de la familia del saxofón. Partiendo de la premisa intuitiva de que una misma digitación en dos saxofones con afinaciones diferentes daría como resultado el mismo multifónico pero transpuesto, se analizaron 18 ejemplos desde dos perspectivas diferentes: 1) multifónicos que presentan la misma digitación en diferentes saxofones; 2) multifónicos que presentan las mismas alturas (en nota real) en diferentes saxofones y que por lo tanto tienen diferente digitación. En ambos casos el estudio realizado implicó el análisis espectral de un conjunto de multifónicos especialmente seleccionado por sus características particulares, junto con una transcripción a notación musical de las principales componentes espectrales considerando su amplitud. Como complemento, se realizó una comparación de espectros de multifónicos cercanos y específicamente enfocada en los saxofones que comparten afinación (alto y barítono afinados en Mib, soprano y tenor, en Sib). El estudio realizado y los resultados obtenidos, permiten abrir preguntas de investigación a futuro, considerando principalmente la percepción tímbrica de aquellos multifónicos que, aun presentando la misma estructura interna, presentan diferencias de amplitud en los componentes de altura en los distintos saxofones.
Derechos de autor 2022 Martín Proscia; Antonio Ortega Brook https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Nuevos aires en el Río de la Plata. Los tangos de Mariano Etkin y Gerardo Gandini
Este trabajo intentará abordar la múltiple red de influencias entre diversos compositores de vanguardia en el abordaje del universo del tango. Desde la temprana composición del Tango perpetuel de Erik Satie -en pleno auge del género rioplatense en el París de comienzos de siglo- pasando por el Perpetual tango de John Cage, para recalar en los tangos de los compositores argentinos Mariano Etkin y Gerardo Gandini a comienzos del siglo XXI. Si bien la recepción tanto de Satie como de Cage adecuaron rasgos estilísticos del tango a sus propias búsquedas estéticas, en el caso de Gandini y Etkin quisiéramos mostrar cómo sus tangos no sólo se inscriben en sus propias inquietudes teóricas y estilísticas dialogando con la tradición del género, sino que además le aportan novedosas perspectivas de desarrollo futuro.
Derechos de autor 2022 Luis Menacho https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Improvisación Libre: una perspectiva performativa en el campo musical expandido de la ciudad de Córdoba hacia los últimos diez años
El artículo analiza la microhistoria reciente de la ciudad de Córdoba en torno a la práctica musical contemporánea y los espacios de formación musical. Revisa la economía de bienes simbólicos y los vínculos cooperativos en la ciudad para plantear, desde la improvisación libre, una expansión del campo musical local.
Derechos de autor 2021 Franco Pellini https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
ColeÁ§ão Damiano Cozzella da CDMC/Unicamp: uma análise preliminar
A criaÁ§ão da ColeÁ§ão Damiano Cozzella junto Á Coordenadoria de DocumentaÁ§ão de Música ContemporÁ¢nea (CDMC) da Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP) ocorreu a partir de uma doaÁ§ão de partituras realizada em 2019 pela família. Este artigo objetiva avaliar e divulgar este material. A doaÁ§ão conta com 24 composiÁ§Áµes que são o foco deste artigo e 46 arranjos provenientes de duas fontes: as composiÁ§Áµes faziam parte de seu acervo pessoal, enquanto os arranjos orquestrais foram recolhidos no acervo da Orquestra SinfÁ´nica Municipal de Campinas. A partir de uma análise preliminar, dividimos suas composiÁ§Áµes em trÁªs grupos de orientaÁ§Áµes estéticas: obras centradas na escritura musical; obras nas quais a ironia e uma atitude crítica Á sociedade de consumo e Á prática artística são evidentes; e peÁ§as que apresentam características ligadas Á música popular. O trabalho em torno do acervo doado visa lanÁ§ar luz sobre um compositor decisivo para a música brasileira e latino-americana. Conhecido sobretudo por sua obra de arranjo coral, suas composiÁ§Áµes autorais e arranjos orquestrais estão para ser pesquisados. Assim, com este artigo iniciamos o processo de divulgaÁ§ão da obra e da personalidade de Damiano Cozzella, buscando conduzi-lo a uma merecida posiÁ§ão de destaque na historiografia da música contemporÁ¢nea brasileira.
Derechos de autor 2021 Tadeu Moraes Taffarello, Fernando de Oliveira Magre https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La ocupación del espacio musical en Escrito sobre escrito sobre escrito de Marcelo Delgado
El presente artículo estudia los vínculos intertextuales que surgen de un trabajo de reescritura realizada por Marcelo Delgado a partir de Eusebius de Gerardo Gandini. La labor analítica adoptará como referencia histórica la técnica del Cantus firmus. La misma dará un marco para analizar la configuración de un espacio musical e intertextual ampliado por la identificación de contenido interválico y conjuntos de clases de alturas que remiten a la pieza N° 14 del ciclo para piano DavidsbündlertÁ¤nze (1837) de Robert Schumann. Como instancia final del trabajo, se aplicará la metáfora del palimpsesto para interpretar las relaciones derivadas del análisis.
Derechos de autor 2021 Gastón Ares https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A participaÁ§ão de Eunice Katunda no Curso Latinoamericano de Música Contemporánea n. 8: desafios e possibilidades
Este trabajo reflexiona sobre la participación de la compositora y pianista brasileña Eunice Katunda en el Curso Latinoamericano de Música Contemporánea n. 8 (CLAMC), realizado en Brasil en 1979 con el tema de los 40 años del grupo de compositores Música Viva. Creado en 1939 por Hans-Joachim Koellreutter, el grupo fue pionero en la difusión de las técnicas compositivas modernas en la década de 1940 en Brasil, siendo Eunice Katunda una de las principales responsables por estrenar obras nacionales e internacionales de la época. Además de dar a conocer composiciones propias y de colegas, Eunice también trabajó como editora de textos y reseñas sobre estética musical en boletines producidos por Música Viva y en periódicos de amplia circulación en el país. Este hecho la destacó en medio a la polémica generada en torno al uso del dodecafonismo en Brasil, que culminó por erosionar su imagen, y, paulatinamente, en la disolución del propio grupo. En este contexto, la octava edición de CLAMC fue una oportunidad para reencontrarse con antiguos compañeros del ambiente musical y con su maestro Koellreutter, a quien pidió disculpas públicamente. A partir de ese momento se abren nuevas posibilidades para la intérprete y compositora, que vuelve al escenario con obras inéditas y de gran madurez artística.
Cursos Latinoamericanos de Música Contemporánea
Derechos de autor 2021 Eliana Monteiro da Silva, Marisa Milan Candido https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ensayo Electrónico: aproximación al análisis tímbrico a partir de la percepción auditiva y la espectromorfología
La percepción auditiva es una acción y herramienta fundamental en el desarrollo de la disciplina musical. No obstante, ha sido históricamente utilizada para la apreciación de las obras musicales y para el entrenamiento auditivo en la enseñanza tradicional de la música en Colombia que, en múltiples casos, excluye el parámetro musical tímbrico. En el presente artículo se abordará la obra Ensayo electrónico (1965) del compositor colombiano Fabio González Zuleta, partiendo de la percepción auditiva y de la subjetividad hacia la teorización de los sonidos desde una perspectiva espectromorfológica.
Derechos de autor 2021 Juan Diego Estupiñán Díaz, Valentina Roveda Villamil https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Trío de las Proporciones. Análisis compositivo e interpretativo
Este trabajo establece el lenguaje compositivo de vanguardia implementado por César Franchisena en una de sus obras de cámara más singulares: Trío de las Proporciones para Flauta, clarinete y piano. El objetivo es realizar un estudio analítico interpretativo de la obra. Franchisena, cordobés por adopción, nació en el Chaco (Argentina), el 3 de septiembre de 1923, y falleció en Córdoba, el 1 de enero de 1992. Latinoamericano por antonomasia, fue uno de los integrantes más destacados de la Asociación Nueva Música (ANM). Presidió la filial Córdoba desde la que divulgó gran parte del repertorio contemporáneo nacional e internacional. Sus obras se dieron a conocer en el país a partir de la década del ´50. Se incorporó a la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba en 1956, donde permaneció por más de tres décadas. Fundador de las Cátedras de Composición I, II y III (1972) y Jefe Fundador del Laboratorio de Electrónica (1977). Profesor Emérito y Consulto en 1992. Franchisena se enroló en las líneas compositivas europeas y norteamericanas, siendo representante de la vanguardia local. Esto último está sustentado en el uso de la variable tiempo - espacio, poniendo énfasis en el manejo de las articulaciones, densidades, estructuras.
Derechos de autor 2021 Teodora María Inés Caramello https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El tiempo tardío en exótica de Juan Campoverde
El análisis de la obra de Juan Campoverde, exótica, se centra en el tema del fin de la nación como tema prioritario, y que se desplaza hacia lo que se denomina un cierto nihilismo histórico. Se muestra la aparición de diversas temporalidades en la obra que se corresponderían con derivas históricas similares, de tal manera que estaríamos escuchando esas secuencias típicas de los tiempos del capitalismo tardío que la obra los expresa críticamente. Así, se muestra cómo el tiempo tardío pasa sin pasar, detenido en el presente interminable del capitalismo. Frente a esto, encontramos en Campoverde un tiempo intempestivo que se expresa en las estructuras temporales de la obra. Palabras Claves: Temporalidades, capitalismo tardío, nación, conexiones parciales
Derechos de autor 2021 Carlos Rojas Reyes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Percepción de la educación musical del siglo XXI: un acercamiento fenomenológico a las visiones de docentes universitarios latinoamericanos
Este trabajo expone algunos de los desafíos educativos comunes en la educación musical universitaria latinoamericana del siglo XXI, los cuales fueron reconocidos por dos investigadoras de Argentina y México en un estudio exploratorio de corte cualitativo que incluyó debates, seminarios y la aplicación de cuestionarios a ocho profesores universitarios que trabajan en distintos contextos de Argentina, Brasil, México y Panamá. Se encontró que, pese a las marcadas diferencias de sus espacios laborales y condiciones socioculturales, la percepción sobre las necesidades educativas actuales son muy similares, por lo que la práctica educativa actual se está dirigiendo, en el marco de un currículo oculto, hacia la formación de habilidades no declaradas en el currículo formal.
Derechos de autor 2021 Irma Susana Carbajal Vaca, Alejandra Sáez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Music for eight persons playing things: un acercamiento a la obra de Jorge Antunes desde el pensamiento tímbrico
A través de la construcción de una herramienta de análisis que recoge diferentes categorías y caracterizaciones sobre timbre y modulaciones tímbricas, este trabajo aborda los componentes sonoros, las resultantes tímbricas, los movimientos y transformaciones en el tiempo de la obra Music for eight persons playing things del compositor brasileño Jorge Antunes, describiendo los diferentes tipos de comportamientos e interpretando el lugar y la función de las texturas, buscando una sistematicidad dentro de la obra. A modo de reflexión, pudimos observar que al incluirse la palabra ‘personas’ en el título de la pieza el compositor posiblemente invita a no-músicos a la interpretación de esta. Esto se suma a que el compositor hace uso de una notación proporcional considerablemente intuitiva. Por otro lado, la obra refleja elementos importantes del pensamiento tímbrico y electroacústico.
Derechos de autor 2021 Andrés Gómez Huertas, Julián Medina Vega https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Biomúsica: estudio interdisciplinario del paisaje sonoro para la creación de música nueva
El presente trabajo propone discutir los estudios del paisaje sonoro desde dos enfoques, por un lado, la ecología acústica como un área de estudio que emerge de las artes sonoras para analizar los sistemas acústicos de comunicación en el ambiente sonoro a partir de la percepción auditiva. Por otro lado, la ecoacústica o la ecología del paisaje sonoro como un área científica para entender los fenómenos acústicos de comunicación animal a partir de la medición y la interpretación de datos de manera cuantitativa. El objetivo es elaborar una revisión interdisciplinar desde el arte sonoro y la ecoacústica para describir una emergente área del conocimiento que es la biomúsica como herramientas teóricas para pensar la creación de música nueva.
Derechos de autor 2021 Tania L. Rubio Sánchez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Intertextualidad rizomática en la obra de Juan Carlos Tolosa
En este escrito se analiza el uso de la intertextualidad en la obra del compositor Juan Carlos Tolosa. Partiendo de la premisa de que el paradigma artístico subyacente en la obra se refleja en el uso de la intertextualidad, se aplica una metodología que analiza el objeto, la forma y la función de las relaciones intertextuales con el objetivo de desentrañar los conceptos y sistemas de valores que conforman dicho paradigma. Mediante el análisis se descubre una intertextualidad rizomática que teje el sentido en el cual autor y espectador se insertan y dialogan; una noción de sujeto deconstruido que se relaciona con el otro desde la alteridad; un autor que es cuestionado y desautorizado; una idea de estructura con ausencia de centro; un sentido que se construye en el juego, desde su previa condición de ausencia; un posicionamiento dentro de la historia y una incorporación de la historia dentro de la obra; un descreimiento de los metarrelatos; y un Otro que es visto como un conjunto rizomático y sin jerarquías.
Derechos de autor 2021 Eva García Fernández https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Aproximación al ‘minimismo’ latinoamericano
El presente trabajo propone un acercamiento a la construcción de una definición de ‘minimismo’ latinoamericano. Esta expresión, acuñada por la compositora Graciela Paraskevaídis (1940-2017), es tomada como punto de partida para comprobar ciertas características que den cuenta de esta categoría. En este sentido, nos proponemos evidenciar rasgos como la austeridad, el despojamiento y el silencio en los medios compositivos como parte de las búsquedas de los compositores latinoamericanos. Para ello, ilustraremos aquellas diferencias estructurales entre el ‘minimismo’ latinoamericano y el minimalismo norteamericano, como así también respecto del pensamiento musical europeo. Posteriormente, analizaremos en un repertorio seleccionado para esta ocasión, elementos que se asocien a las premisas de Coriún Aharonián (1940-2017) y de Graciela Paraskevaídis, y que permitan ejemplificar los rasgos arquetípicos de estas músicas.
Derechos de autor 2021 Luciana Natalia Orellana Lanús https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Entre la música y la performance. Características singulares en la producción musical escénica de Matías Giuliani
Este artículo estudia los aspectos sobresalientes de la propuesta estética del compositor argentino Matías Giuliani, indagando específicamente en su producción de músicas escénicas, la cual se caracteriza por el trabajo colaborativo con las y los intérpretes, donde se articulan procesos operatorios que implican una revisión del concierto como institución y una apertura hacia nuevas concepciones en torno a los agentes intervinientes y sus funciones, a partir de la experimentación en las instancias de proceso compositivo, notación, ensayo, registro, puesta en escena e interpretación.
Derechos de autor 2021 Ramiro Mansilla Pons https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cortes sonoros: músicas, apropiaciones, contextos
Son muy conocidos los ejemplos de sampling en la música de carácter comercial, aunque también está presente en la música electroacústica o acusmática, en las obras de paisajes sonoros, en el arte radiofónico y en las obras de arte sonoro que, además de música, incluyen sonidos de archivo de la radio y la TV como discursos, publicidades, etc. Expresiones como collage, meta collage, mashup, apropiación, intervención, plunderphonic y remix, así como los recursos de la cita, la parodia, la alusión, la paráfrasis o el tópico, forman parte del paisaje cotidiano de la creación contemporánea, muchas veces con límites difusos y pocos claros pero sin que esto represente un problema a la hora de su utilización. Sin duda, podemos considerar el sampling, o la cultura del sampling, como uno de los movimientos más innovadores y activos del siglo XXI, que comenzó su desarrollo a fines del XX. Ahora bien ¿cuáles son los orígenes de esta práctica? ¿en el marco de qué estéticas y tecnologías se empezó a considerar la posibilidad de usar fragmentos previamente grabados, sean musicales o no, y reconocibles como tal? ¿Por qué un/a creador/a elige utilizar un fragmento musical ya grabado y qué significa para quien lo escucha?
Derechos de autor 2021 Raúl Minsburg https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Objetos sonoros de múltiples componentes y escalas con un comportamiento no-lineal
El escrito que acá se presenta, ha intentado alcanzar un entendimiento respecto a ciertos objetos musicales actuales (obras de Julio Estrada y Pablo Araya primordialmente); es decir, comprender su naturaleza ontológica. La conclusión a la que se llegó, es que estos poseen una estructura de múltiples componentes y escalas además de un comportamiento dinámico altamente irregular e inestable (no-linealidad). Tal cosa otorga una gran complejidad tímbrica. No obstante, esto tiene repercusiones en los modos en que los compositores piensan y razonan sus músicas, cuestión que deriva en una problemática de índole semiótica y cognitiva.
Derechos de autor 2019 Pablo Araya https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Glosario para Partituras Digitales Dinámicas
En este trabajo se plantea la necesidad de desarrollar un punto de partida que permita a compositores musicales actuales apropiarse de nuevas formas de escritura musical por computadora. Para esto se creó un glosario, enmarcado en la tradición musical occidental y que concluye con una bibliografía sugerida, en el caso de necesitar un marco teórico más amplio.
Derechos de autor 2019 Patricio Calatayud, María Teresa Campos Alcaraz https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ataque, cuerpo y decay del Doble Cuarteto
Ataque, cuerpo y decay del Doble Cuarteto materializa en texto una serie de presentaciones del grupo conformado por cuatro guitarras eléctricas y cuatro saxos en la escena experimental de Bs. As. Nombres propios que supieron diluirse en acciones colecticas que fluctuan entre la intervención site specific, la resonorización de material fílmico y la performance. Modos de producción que establecieron continuidades y rupturas con una comunidad oscilante desde un territorio latinoamericano situado.
Derechos de autor 2019 Federico Barabino https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El cantable In Memoriam de Mario Kuri-Aldana: cultura musical entre dos riberas
Este artículo aborda el cantable In Memoriam (1971) de Mario Kuri-Aldana a partir de la teoría de la cultura musical enunciada por Gino Stefani (1997). Dicha noción semiótica requiere que en un primer momento se diluciden las experiencias musicales del compositor y luego estas sean conectadas con el corpus estudiado, mediante un examen minucioso de los códigos recurrentes. En tal sentido, se reconstruye el paso del compositor por la academia, su conexión con los estilos de la época, los nexos establecidos con músicos y repertorios académicos y populares de Latinoamérica, así como el papel de la reflexión estética del autor que determina sus presupuestos composicionales. Por otro lado, se sistematizan las principales estrategias de construcción simbólica que conforman la esfera semántica de la obra a partir de su relación con los códigos socioculturalmente construidos que el autor aplica de manera creativa. De este modo se persigue triangular las experiencias musicales de Kuri-Aldana y la exégesis de los códigos sistematizados en función de determinar la cultura musical que caracteriza esta composición.
Derechos de autor 2019 Renier Garnier García https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A análise dinÁ¢mica dos gestos violonísticos em Micro Study 3, de Arthur Kampela
Este ensaio tem como objetivo realizar uma análise dos gestos instrumentais ao violão de uma obra recente de Arthur Kampela, Micro Study 3, que elabora técnicas de abafamento e de multifÁ´nicos ao violão. Almejando conduzir esta análise pelo domínio de sua expressão dinÁ¢mica, abordamos seus aspectos geométricos e fisiológicos apenas sumariamente, nos concentrando sobretudo em ferramentas de compreensão dinÁ¢mica oriundas da Eucinética, ciÁªncia criada por Rudolf Laban, tais como os fatores do movimento, as aÁ§Áµes básicas do esforÁ§o e os conceitos de impulso e energia. Confrontamos tais noÁ§Áµes com tipologias de gestos instrumentais propostas por autores tais como GodÁ¸y e Delalande e procuramos compreender a natureza da fluÁªncia sonora e cinética nos gestos majoritariamente secos e percussivos da obra de Kampela. Para tanto, isolamos quatro passagens desta, nas quais os encadeamentos gestuais são observados sob o ponto de vista da dinÁ¢mica do movimento.
Derechos de autor 2019 Ledice Fernandes Weiss https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Grappolo 4, obra electroacústica del compositor chileno Jorge Martínez Ulloa. Un análisis acústico, psicoacústico, y espectromorfológico, en el estudio de procesos de estructuración hallados, y como aporte a estrategias de percepción acusmática
Una primera reflexión que apunte en dirección a preguntarnos por nuestra escucha del mundo, en tanto receptores y productores sonoros capacitados para desenvolvernos a partir del sonido que llega a nuestros oídos (y que es producto de nuestro accionar acústico-cultural), aspecto que significa asumir una actitud o posicionamiento frente a este fenómeno, constituye una reflexión que bien podría permitirnos hacer un preliminar, pero necesario sondeo, de cómo acercarnos a la presente pieza electroacústica. En efecto, se presentarán los resultados obtenidos de este análisis luego de aplicar el estudio de la espectromorfología planteada por Denis Smalley, así como consideraciones principalmente de orden acústico y psicoacústico que se desprenden de esta aplicación, trabajo que permitirá, a su vez, ofrecer una comprensión de la naturaleza de los procesos de estructuración de los materiales sonoros estudiados, y su articulación en los niveles macro, meso, y micro, como estrategia de organización en la percepción.
Derechos de autor 2019 Andrés Mauricio Gaona Ovalle https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Los compositores de Santa Capilla en los Festivales de Música de Caracas
Compositores, promotores y críticos musicales coinciden en aseverar que la música académica de los creadores latinoamericanos de las nuevas generaciones tiene poca difusión. Este artículo permite determinar cuán verdadera es esta afirmación para Venezuela centrándose en un estudio de caso: Caracas entre 1950 y 1970, periodo en el que se realizaron los Festivales de Música de Caracas. Se analiza cómo la producción de los compositores jóvenes del momento, estudiantes de la cátedra de composición de la Escuela “José Ángel Lamas” (Escuela de Santa Capilla por su locación), estuvo presente en esta tribuna que, dada su trayectoria, la calidad de los participantes y su perfil, fue considerada referente fundamental para Venezuela y el continente Latinoamericano en el ámbito de la música contemporánea.
Derechos de autor 2019 Silvia Restrepo, Mariantonia Palacios https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0